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アートが画商に仲介されて世に出るようになったのは、ごく新しいことです。画家や彫刻家が、「新しい物の見方」をその作品で示してみせても、作品が多くの人に享受され、評価されることがなければ、社会に衝撃を与えることにはなりません。かつては画家や彫刻家は教会や寺院、王侯貴族、あるいは豪商から直接注文を受けて、その注文の範囲内で斬新な「新しい物の見方」を示したりしていました。教会や寺院、王侯貴族が発注すること自体が社会的な評価であり、世に出るために必要でした。
 ヨーロッパでは18世紀になると従来より広い層がアートを自宅で享受するために作品の仲買をする美術商が増えていきました。日本やヨーロッパにはそれまでは庶民に向けて浮世絵や銅版画を売る商売が存在していましたが、出版商やかわら版屋に近い商売でした。19世紀になると、国家が、国民国家創成のイメージ普及の重要な手段としても、アートを支援するようになりました。日本などでも、アート市場は新興近代国家としての必要から、国家が支援したのが始まりです。
 現代は、教会や寺院、王侯貴族が価値を定める時代ではなくなりました。国家もまた多くの先進国では価値を定める存在とはいえなくなりました。価値を定めるのは、市場であり、メディアであり、つまりは経済です。アートによって「新しい物の見方」を示す方法も多様化していますが、市場で通貨に換算されるか、メディアで普及するか、が必要になります。ダイヤモンドやファッションと同じで、ニューヨークやパリを中心に市場での価値を定める仕組みがあり、それで流通に乗るようになっています。もはやインターネットも使えるし、表現の手段はマンガでもインスタグラムでもテレビCMでもありえるので、アートを世に出して人々に享受できるようにしていく仕組みは今後も変わっていくでしょう。今となっては、日本だとスマートフォンのゲームで絵師の皆さんが描いたキャラのカードを(ガチャで)買う、というのがアートを享受する最も大きな市場ともいえます。中国では小学生同士がアプリで自分たちのイラストを交換してwechatで数百円程度の決済をする、といったことをしているようですし、ネット上で手軽にアートを流通させて享受する手段も増えていくでしょう。
山本さんのお話は、圧倒的な教養を感じつつも、明快でわかりやすい。今回もアートの値付けについて、論理的に解説してくれました。
自分が発掘するアーティストの軸というか信念を持っているのがカッコいい。

世界の美術が抽象に転じる中で抽象性をどんな形で保存しているかを見る。
自分が扱ってきた美術史の流れを一段階前に進めるアーティストを扱う。

個人的には、「面についての扱い方」を通して見た絵画の発展の歴史が面白いと思いました。

面の中に奥行きを描くルネサンスの透視図法=遠近法。
そのアンチテーゼとなった光の面を描く近代の印象派。
デュシャンの泉など「面」を脱却するオブジェという「もの」。
さらに発展させて空間そのものを作品化するインスタレーション。

特に↓のあたりは印象的で、今後アート作品と対峙するときは意識したいなと考えさせられました
- 「これまで絵は見るものでしたが、僕たちがアート作品と同じ空間に入ると、僕たちも見られる対象になる」
- 「作品は実際に買ってみて自分の部屋に掛けてみない限り、自分のものにはなりません」
東京画廊 山本さんのお話。ギャラリーの考え方やアート作品の値付けについてなど、とても分かりやすく教えてもらえて興味深い。特に、30代の作家の作品は30代の人が買って家に置ける値付けが良いという話が刺さりました。アートはその世代の視座を具体化して社会に突き付けるムーブメント的側面もあるので、同世代で共有されていくのが一番良いですね!

また、プライマリーやセカンダリーの話もでましたが、
基本的に日本で話題になるのはセカンダリーで幾らで買ったか。確かに物凄い大金をアートに貼るのは価値のある行いですが、セカンダリーではあくまで価値の定まったものを買うわけで、作家を育てる事にも繋がらない。
もっとプライマリーで買う事の意味が伝わり賞賛される様になるといいなと思います。

"私の画廊は主に、プライマリー・マーケットを舞台にアーティストを育て、そのアーティストたちの作品が、マーケットに広く出回るようにしていくための活動を行っています。
その意味で、価値を創っていくのがプライマリー・マーケットで、価値を追いかけて、価値をつくるのがセカンダリー・マーケットだと言えます。"

"しかし私は、まだ評価されていなくても、自分が扱ってきた美術史の流れを小さくとも一段階前に進めるアーティストを扱いたい。やはり美術には「食べておいしい」ところがないと、やっている意味がありません。"
主題から離れてしまいますが、私は今年初めて現代絵画を買ってみました。価格は高級時計や中古車よりもずっと低く、世間のイメージよりも手頃です。
実は数年前に蓼科で気に入った絵にであったのですが、その時買わずにいたところ、いくら同じ作家のものを探しても同じものがなかったという経験をしており、その時以来「少し貯金をしておいて、良い出会いがあったら成り行きで買おう」と決めていたのです。
買う、買わないは別として、一期一会を楽しめるところがアートの楽しみですので、ぜひ時間があれば画廊でも百貨店の美術品売り場でも、美術館でもふらりと立ち寄ってみてはいかがでしょうか。
山本さんが書かれているように、ギャラリーは「目利き」で勝負の世界です。

なので、自分のセンスに合ったギャラリストを見つけて、そこで扱われているアーティストを追いかけるというのは、自分の美意識を鍛えていくのに良い方法と思います。
【アートの価格】

以下の山本さんの言葉は、いい点をついていると思う。
「だから僕はよく言うのですが、作品は実際に買ってみて自分の部屋に掛けてみない限り、自分のものにはなりません。展示会に行って、いくら名品を見ても、その人にとって何の体感にもならないと思うからです。」

アートは買うことから始めよう!
それがアートのエコシステムを作り、自らも「アートの素養」を身につける第一歩。

すでに評価が確立したセカンダリーマーケット中心の作家の作品価格は、相場に左右されるが、プライマリーマーケットに出ている若手作家の作品は驚くほどには高くない。

ちなみに、可処分所得の3割、が私のこれまでの目安です。
確かに5万円から30万円なら買える。
手の届く範囲にアートがあるって、新たな発見のようで嬉しいんですよね。

あとは、いかに裾野を広げていくかという事ですよね。アートに興味がある人しか買わない、ではなく、いかに興味をもってもらえるか。
やっぱりまだまだどうしてもスノッブに感じてしまうので。
それは作品自体にも、それに関わる人々も。 僕自身の問題なのか?と思った事もありましたが、どうも「中途半端な興味を持つ人は相手にしない」という、30年前の洋服屋のような人がまだまだアートの世界には沢山いるのだと気付きました。
いつまでも崇高な趣味の範囲から脱しない、一つの要因のような気がしています。

陳腐なプロモーションや売り方をするべきではないと思いますが、もう少し民衆に寄り添う姿勢を感じたい。

個人的にはそう思います。
音楽に於ける新人発掘とも愛通づる処があります。
音楽の場合はクラシックの様な演奏家であれば
芸術大学の教授と教え子の様な
師弟関係の処での紹介はあるのでしょうが、

ミュージシャンの場合はそのポジションが空くまで、
年齢キャリア関係無く競争社会なので、弟子を推奨された
事はほぼ有りません。

アーティストの様に独自の音楽作品を、
創る場合もほぼ自己完結なので、
バンドの様にライブを可視化したり客層を判断出来る場合は除いて
サウンドクラウドやニコ動の様な自主制作発表の
処で発掘する様にはなってきます。
美術商という職業が分かっているようで分かっていなかった。
プライマリーとセカンダリーに分けられ、それぞれ役割が異なるというのは納得。

そして、プライマリーは発掘というミッションがあり、それを師弟などつながりの中で実現していること。コレクターも含めた生態系として市場全体を育てていることなど、美術商の影響範囲は想像以上に広く、やりがいのある仕事だと分かりました。

以下引用
“価値を創っていくのがプライマリー・マーケットで、価値を追いかけて、価値をつくるのがセカンダリー・マーケットだと言えます”